Splendeur du classicisme américain : Péché mortel (1946) de John Stahl avec l’incomparable Gene Tierney


Orson Welles et le grand remplacement démographique (par des européens !) en Amérique du Nord (vers 1880-1920)

Magnificent Ambersons : Orson Welles et les transformations raciales et industrielles en Amérique


Welles cite ce livre dans son film admirable, pas tout évidemment. Il évite de citer les pages où l’on en veut au progrès (c’est le sujet de ce film et surtout de ce livre guénonien).


Nicolas Bonnal est là pour compenser. Et il vous apprend que le bon White Anglo Protestant Booth Tarkington est aussi dur pour les progrès industriels et les nouveaux migrants que mettons Lovecraft (lisez en ligne pour rire sa nouvelle The Street),  Edgar Poe (Monos et Una, Colloque avec une momie), Madison Grant (the passing of a great race), Lothrop Stoddard, sans oublier  Scott Fitzgerald. Pour ces sujets voyez son livre sur Trump…


Le jour où nos commentateurs officiels auront un peu de culture, on saura vers quels affreux naufrages  on appareille…

Extraits de la splendeur des Ambersons


But the great change was in the citizenry itself. What was left of the patriotic old-stock generation that had fought the Civil War, and subsequently controlled politics, had become venerable and was little heeded. The descendants of the pioneers and early settlers were merging into the new crowd, becoming part of it, little to be distinguished from it. What happened to Boston and to Broadway happened in degree to the Midland city; the old stock became less and less typical, and of the grown people who called the place home, less than a third had been born in it. There was a German quarter; there was a Jewish quarter; there was a negro quarter—square miles of it—called “Bucktown”; there were many Irish neighbourhoods; and there were large settlements of Italians, and of Hungarians, and of Rumanians, and of Serbians and other Balkan peoples. But not the emigrants, themselves, were the almost dominant type on the streets downtown. That type was the emigrant’s prosperous offspring: descendant of the emigrations of the Seventies and Eighties and Nineties, those great folk-journeyings in search not so directly of freedom and democracy as of more money for the same labour. A new Midlander—in fact, a new American—was beginning dimly to emerge (…).

“Prosperity” meant good credit at the bank, black lungs, and housewives’ Purgatory. The women fought the dirt all they could; but if they let the air into their houses they let in the dirt. It shortened their lives, and kept them from the happiness of ever seeing anything white. And thus, as the city grew, the time came when Lucy, after a hard struggle, had to give up her blue-and-white curtains and her white walls. Indoors, she put everything into dull gray and brown, and outside had the little house painted the dark green nearest to black. Then she knew, of course, that everything was as dirty as ever, but was a little less distressed because it no longer looked so dirty as it was.”


Et comme on citait HP Lovecraft, qui ne se gêne pas pour dire plus crûment ce qu’il pense, le génie des fans de l’horreur qui ne l’ont pas lu, comme le reste :


« Swarthy and sinister were most of the strangers, yet among them one might find a few faces like those who fashioned The Street and moulded its spirit. Like and yet unlike, for there was in the eyes of all a weird, unhealthy glitter as of greed, ambition, vindictiveness, or misguided zeal. Unrest and treason were abroad amongst an evil few who plotted to strike the Western Land its death-blow that they might mount to power over its ruins; even as assassins had mounted in that unhappy, frozen land from whence most of them had come.”



Howard Philip Lovecraft – The Street, complete works

Booth Tarkington – Magnificent Ambersons


John Hall, critique américain, confirme Nicolas Bonnal : comment le bon élève Hitchcock plagie le génial et trop turbulent Orson Welles… Qui usera d’Anthony Perkins dans le Procès !



Inutile de le dire, je ne critique pas Hitchcock une seconde… Psychose est le film le plus easy-watching de l’histoire ; et Kubrick a chipé Singing in the rain à Cary Grant, qui le chante dans sa salle de bains (La mort aux trousses). Il a aussi chipé l’acteur et le sujet (le hold-up raté) à John Huston (Quand la ville dort ; Sterling Hayden) pour réaliser son Ultime razzia, titre traîtreusement mal traduit (The Killing en anglais). J’ai fait la somme de tous les emprunts de Kubrick (« un copieur », a écrit durement Louis Skorecki dans Libération) dans mon livres sur l’admirable plagiaire.


Quelques extraits du texte très complet de John :


Hitchcock has always been considered a director sui generis. John W. Hall looks at Psycho and Touch of Evil to show that even Hitch couldn’t resist the charms — and stylistic strategies — of Orson Welles.


For starters, think of how both filmmakers use low-budget aesthetics, the similar use of Janet Leigh, and the squalid desolation of South-western motels run by nervous, sexually intimidated young men. It’s time Welles and his crew members on Touch of Evil receive proper credit for some of the praise of Psycho directed toward Hitchcock.

Though both were highly nonconformist and possessed enormous egos, Welles was painted as the “bad boy” of Hollywood, while Hitchcock became the Boy Scout, earning the studio’s respect and praise in spite of his obsession with murder.

By the late 1950s, Welles was a virtual outcast in Hollywood, with a reputation for being “difficult” and — unfairly — for going over budget on his films.


Not to say that Welles’ films aren’t as much fun as Hitchcock’s, or that Hitchcock’s are not as intellectually stimulating as Welles’, but watching a Welles film is like eating prime rib, rich and leaving you with an overstuffed feeling. Hitchcock is an easier swallow, a lean slice of cinematic roast beef (or a slice of cake, as he was fond of saying).

More apparent than any other Touch of Evil influence is the casting of Janet Leigh as Marion Crane. In Touch of Evil Leigh plays the sexy American wife of Mexican narcotics agent Vargas (Heston), alternately feisty and vulnerable. With shots of Leigh lying around dingy motel rooms in her lingerie and her ample bust accentuated by Welles’ low angles, it’s not hard to see why Hitchcock thought of her as the beautiful but frustrated Marion.

As the “night man” in Touch of Evil, a young Dennis Weaver, clad in unfashionable clothes with his shirt buttoned to the top, suggests a slightly retarded Norman Bates. Goofy, nervous, easily frightened, and decidedly uncomfortable around a sexy woman like Leigh, Weaver blinks, stutters, leers, and laughs crazily in his encounters with her.

Perkins, whose career was made by this performance, may also be an example of the reverse equation, Hitchcock influencing Welles: Perkins became the star of Welles’ next film The Trial, released in 1963.

But the motels create an especially powerful atmosphere of dread and alienation in these two films, perhaps because they seem to exist in a dreamscape, disconnected from the rest of the “normal” world. The use of the sordid motel as an instrument of psychological torture and an emblem of decay in Touch of Evil may have inspired Robert Bloch, who wrote the novel that Psycho is based on, to use a motel to capture an American environment suitable as a breeding ground for psychosis and random violence.

Robert Clatworthy, a highly regarded art director at Universal, performed in that capacity for both films.

Another crew member of Welles’, camera operator John Russell, became Hitchcock’s director of photography for Psycho, which may also account for some of the visual similarities, such as the use of natural lighting in the daylight scenes.

The famous moment of terror when Marion’s sister Lila (Vera Miles) turns around the rocker to discover that “Mother” is a skeleton may have a precedent of sorts in Touch of Evil. In that film, when Janet Leigh awakes from her drug-induced sleep and discovers Uncle Joe Grandi hanging over the bed, dead from strangulation by Captain Quinlan, her moment of terror is conveyed in a shock cut.








La nuit du chasseur comme bible et pamphlet du cinéma américain ?



Robert Mitchum, acteur souvent mal utilisé, l’a dit : le plus grand c’était Charles Laughton, qui filma un beau jour la bible et la grenouille et le ciel étoilé. Or ce film me parait maintenant comme un terrible libelle contre le monde américain, son hypocrite barbarie.


Le cinéma américain n’est pas capable d’adapter Dostoïevski. Par contre, il peut faire la nuit du chasseur, qui vaut bien un roman de Fiodor Dostoïevski. Et la Nuit du chasseur, ce long poème cosmique, vaut aussi bien des films de SF (Dune, qui s’en inspire au début) ou bien Hésiode, ou bien même Hansel et Gretel, ou bien même 2001, un film limpide comme une voie lactée pour enfants en mal d’allaitement.

Remontons dans le temps, au temps heureux où Welles côtoyait Hitch, Walsh et John Ford. C’est comme quand Eschyle côtoyait Sophocle. Un acteur anglais chevronné, laid comme un pou, Charles Laughton, meilleur capitaine Bligh de toute l’histoire (le premier fut sa copie) réalise à soixante ans le plus grand film du monde ; c’est sur la crise de 29, l’interminable crise de 29 ignorée par les claquettes de Fred Astaire. C’est comme dans les Voyages de Sullivan de notre cher Preston Sturges : on voit enfin les Américains et leurs enfants crever de faim. On est sous Roosevelt, réélu mais incapable, certains historiens russes curieux et courageux parlant de millions de morts, comme chez Staline, et chez les paysans toujours. Moins d’Américains en 40 qu’en 29…

On a un Mitchum affamé de bible, tueur hypocrite et  bavard, vrai néocon. On a la cruauté sociale qui a jeté des millions d’américains dans tous ces bidonvilles ; on a la dureté de la peine de mort et du système carcéral US devenu depuis concentrationnaire (43% de la population mondiale, 2.3 millions de prisonniers).

On a la photographie surréelle de Stanley Cortez, plus fort que chez Welles. Personne n’a filmé les crapauds et les tortues comme lui, les étoiles aussi.

On a l’eau et la mémoire. Voyez mon texte sur le fleuve de Renoir dans le livre sur le paganisme. La femme assassinée flotte sous les eaux, les chevaux dans les algues, Ophélie postmoderne.

Les enfants sur la barque fuyant le pharaon paternel devant renards et puis tortues, sans oublier les toiles d’araignées… On a Moïse peut-être, mais Hansel et Gretel sûrement trainant le long des berges, avec leur barque, et le juste secours envoyé par le ciel : on ne doit pas assassiner les enfants. Le NYT nous impose de ne plus en avoir…

On a Dame Lilian Gish, actrice de Griffith, parfois inquiétante (armée et dure jusqu’aux dents) mais c’est pour combattre le mâle… Les deux grands combattants chantent la même chanson religieuse au même moment, l’un pour la parodier, l’autre pour de vrai ! Attention, comme tous les tarés, Mitchum est totalement sincère hélas. Comme tout le judéo-protestantisme il a sa religion avec Dieu c’est tout. Il est si américain Mitchum.

Avec l’orphelinat on a l’ado belle et bête Betty qui veut se donner à tout le monde, à l’homme mûr y compris. Elle est fascinée par les lumières de la ville comme un personnage de Murnau (je pense à l’Aurore qui est le plus beau film du monde – et c’est un film sur le monde moderne, celui qui donne envie de tuer sa femme parce qu’elle est pauvre).

La mère des enfants est lamentable, les voisins-Thénardier sont abominables. Tous se font acheter leur âme par la religion, par les beaux mots du prêcheur assassin. La mère est la femme faible, et le fils est forte tête, qui risque sa sœur au lieu de donner le pognon au pirate avant de craquer et de prendre le monstre pour son père. Aucun Œdipe ici !!

Nota pour les fans de David Lynch : Laughton filme comme personne l’espace et on retrouve son influence dans Straight story, le chef d’œuvre de Lynch et au début de Dune aussi. On a parlé de Griffith, Murnau, on aussi le Fritz Lang de Metropolis, la femme fatale du début, la Babylone cité inquiétante.

Les enfants sont bons et mauvais. On voit aussi leur cruauté, les gosses des voisins vont se moquer du papa pendu.

Et le symbolisme du fleuve : un vieil homme chante au bord de la rivière, annonce Boorman, promet le salut aux enfants, s’emmêle les pinceaux dans un accès d’alcool.

Enfin on a un procès, une tentative de lynchage…





De Psychose à la soif du mal : quand Hitchcock plagie Orson Welles


De Psychose à la soif du mal : quand Hitchcock plagie Orson Welles


Je vais publier un livre sur chacun des deux maîtres. Je publierai ensuite sur Fritz Lang et j’aurai écrit sur les quatre maîtres de mon adolescence cinéphilique : Kubrick, Welles, Lang et Hitchcock. J’essaierai de la faire de la manière la plus décalée et originale possible, savante, iconoclaste, réactionnaire.

Ici je vais seulement soulever un point ignoré par la critique : le plagiat délibéré de Welles par Hitch dans Psychose (il me semble qu’un texte universitaire en parle, d’un certain Jon Hall, que j’ai retrouvé mais pas lu sur le web). On voit la même actrice perdue dans un bled mexicain, qui va être violée, possédée (?) par une meute de jeunes. Juste avant Janet discute avec un débile qui évoque le Norman Bates de Psychose. Dennis Weaver (qui jouera l’automobiliste dans le Duel de Spielberg,) évoque le même homme-adolescent, fragile, léger, hystérique, dangereux. C’est lui qui laissera Janet Leigh aux mains de violeurs et des dealers du gang Grandi.  On découvre ici une atmosphère d’ouest décalé, peinture d’Hopper, motel abandonné, délire possible, absence totale de loi ; on est dans la sauvagerie assumée d’un terrain vague qui n’a plus rien du western.

Le Dennis Weaver ici n’a pas  même de nom. Il s’affole comme un rien, il a un crâne de piaf. Le point est important : car comme on sait Bates (sa confidence) dans psychose est taxidermiste  et il rêve de stuff, de bourrer de paille les pauvres oiseaux. J’ai toujours regretté qu’on ne le voit pas empailler Janet, ce qui ferait bien dans la gradation de la révolution sexuelle hitchcockienne que je vais recenser dans mon livre !

Janet est la victime sexuelle du gros Welles comme du gros Hitchcock (on respecte les maîtres mais pas toutes leurs obsessions tout de même). Janet comme référence sexuelle avait été mise à la mode par un autre maître oublié, celui-là, Josef Von Sternberg dans Jet pilot. Une pilote soviétique tombe éprise de John Wayne, mais comme elle est soviétique, elle est respectée par l’apparat hollywoodien !

Ici rien à voir, la blonde peroxydée hypersexuée est un objet consommable à volonté. Chez Hitchcock elle sera poignardée après avoir été violée psychiquement par un tyran policier et par un grossier texan à qui elle vole des 40 000 dollars qui semblent être le prix du viol implicite. Chez Welles elle sera déshabillée, droguée, photographiée, filmée (shot en anglais, le même mot comme vous savez désigne tirer et photographier) ; le traitement hollywoodien reste le même. On sait ce qu’Hitchcock fera subir à la blonde Tippi Hedren dans les oiseaux (en chair et en plume cette fois).

Mais le personnage ici c’est Weaver. Welles a toujours été copié. Il invente tout comme ça en s‘amusant, en s’en foutant, comme son maître-modèle Montaigne, plagié tout le temps par Shakespeare ou Pascal…

Hollywood et le révolte des petits blancs

Hollywood et le révolte des petits blancs


Il faut de la vaseline pour tout le monde (Serge de Beketch).

Il y a un marché pour tout (Patrick Ravarino)

Déclin de la classe moyenne blanche, sacrifiée par son élite sur le grand hôtel – sic – de la mondialisation… Figurez-vous qu’Hollywood est bonne mère et qu’elle pense à tous les petits blancs laissés-pour-compte de la mondialisation. La comédie est romantique pour la quadra (qui rêve de se remarier, voyez must love dogs, Rodanthe) et elle est noire, satirique pour les ex-machos qui voient dans la vie moderne comme un désert des tartares qui mérite son nom…

Abonnés au nouvel observateur, ouvrez enfin les yeux ! Votre vie est minable, et vos aspirations aussi ! Bernanos avait raison, votre monde dit moderne est un monde de ratés !


Remarquez, on avait commencé avec Rusty James, alias Rumble Fish, où notre père à tous, Dennis Hopper, se plaignait que son fils Mickey Rourke eût trop d’acuité de perception et manquât d’espace vital (tel quel dans ce script extrémiste)…


Commençons notre énumération donc.


Hot Tub time machine : un trio de bien ratés retourne au Colorado dans une minable station de ski. Ils remontent le temps dans un jacuzzi et le plus déjanté (un vrai cochon joué par un acteur anglais digne de Trainspotting) d’entre eux prendra sa revanche. A recommander à ceux qui comme moi ont détesté les années Reagan et Mitterrand dont on voit ici qu’il ne reste pas grand-chose. Ce monde libéral trop avancé  ne laissera rien que des débris sur son passage. Ce film est de très mauvais goût et ne peut être conseillé qu’aux lecteurs à l’estomac solide (grand moment avec un écureuil qui se prend la gerbe du siècle)…


Wedding crashers : deux avocats plus ou moins véreux, quadras mal requinqués et surtout adulescents mal réveillés, vont à des mariages mal se comporter. Mais la chance tourne  et ils vont pouvoir épouser deux vaches de sœurs, les propres filles du secrétaire d’Etat aux finances. Ce film unique jouit de dialogues paillards et insolents, de Christopher Walken, réalisation de Steven Dobkin, docteur ès-chutzpah.


The ugly truth, avec l’ineffable acteur écossais Gérard Butler, le Léonidas de 300 : un macho rigolo réussit à monter dans les sondages grâce à un programme télé de mauvais goût et provocant. Sa productrice BCBG ne s’en remettra pas et tombe raide !


The good girl : une caissière fatiguée de supermarché du Midwest (Jennifer Aniston en personne) pète un câble, trompe son beauf de mari à bière et part avec un raté. On vous rassure, tout se passe au plus mal, mais est-ce si grave ?


The bounty hunter : toujours avec Butler, soutien efficace du lobby AIPAC… Ici, un chasseur de primes crado fait la chasse à son ex pour récupérer ses dettes. On découvre la laideur presque comique d’Atlantic City et des casinos de ce presque pauvre Donald Trump ; et rien que pour cela on recommande ce nanar de troisième catégorie !


Moralité : Happy days, c’est lointain !

Redécouvrez le mauvais goût américain avec Gérard Butler et Nicolas Bonnal